About      Works      Exhibitions      News      Journal      Index    

   
Group exhibition:
ID: E20.1


Title:

From the Peripheral




Date:
January 24 — March 29, 2020 

Places:
Galeria Kameralna / Centrum Aktywności Twórczej / Baszta Czarownic, Slupsk and Ustka, Poland

Curators:
Edyta Wolska, Roman Lewandowski

Artists:
Andrzej Ciesielski, Krzysztof Maniak, Paweł Matyszewski, Zdzisław Pacholski, Daniel Rycharski, Sergey Shabohin, Sylwia Starkowska, Łukasz Surowiec, Weronika Teplicka
Works:
Installation Smuggling of Biomaterials (Car Door)
in collaboration with Paweł Matyszewski;
Video Violation of Biopower Borders;
Canvas Canvas Cut with the Karta Polaka [1]





Sergey Shabohin and Paweł Matyszewski:
Smuggling of Biomaterials
(Car Door / BMW E6-43R-00048)
,
2019


Explication [in Polish]:
Jednym z rezultatów toczącej się na naszych oczach globalizacji jest fenomen fragmentaryzacji tak zwanych wielkich narracji i ucieczka człowieka w żywioł peryferyjności. Okazuje się, że współczesna jednostka, zmęczona ideologią „ufortyfikowaną” w urbanistycznym i architektonicznym dyskursie, wybiera życie z dala od miasta lub na marginesach wielkich kulturowych centrów. W tym zdecentrowanym i na pozór „fragmentarycznym” świecie możemy ponownie odnaleźć spokój i pozyskać wolność w małych – prywatnych bądź lokalnych opowieściach, które – mimo swej efemeryczności – są jedynym potencjalnym gwarantem naszej swobody i niezależności. Współczesny artysta, który intencjonalnie wybiera funkcjonowanie na prowincji, przedmieściach czy też penetruje suburbia, mniej lub bardziej intencjonalnie wchodzi w rolę trickstera, a zatem przyjmuje postawę mocno ambiwalentną i pełną wieloznaczności. Trickster bowiem stosuje pastisz, paradoks, żongluje metaforami i z łatwością się przemieszcza, przy czym nieobce są mu rewiry codzienności czy świat marginesu oraz brulionu. Wszystko to są ekwiwalenty strategii, które możemy odnaleźć w twórczości artystów tworzących na obrzeżach głównego artystycznego nurtu i poszukujących wolności poza akademickim dyskursem.

Link:



   
Group exhibition:
ID: E19.21


Title:

Whole Poland.
The Expedition to
the Sources of Art




Date:
December 13, 2019 — February 2, 2020

Place:
BWA Wrocław Gallery Contemporary Art, Wroclaw, Poland

Curators:
Anna Mituś, BWA Wrocław curatorial team

Artists:
9/10 (Jakub Borkowicz and invited artists: Ula Lucinska and Michał Knychaus, or Inside Job), Jan Baszak, Piotr Bruch, Centrum Centrum (Łukasz Jastrubczak and Małgorzata Mazur), Maciej Cholewa, CSW Wiewiórka (Cecylia Malik and Bartolomeo Koczenasz ), DOMIE (Katarzyna Wojtczak and Martyna Miller), Primer for City Dwellers (Arkadiusz Półtorak, Martyna Nowicka and invited artists: Mikołaj Małek and Leona Jacewska), Galeria Czynna (Łukasz Ogórek, Marcin Polak, Tomasz Załuski and invited artist: Paweł Kowzan), Computer gallery (Łukasz Radziszewski and Szymon Kaniewski and invited artist: Bartosz Zaskórski), Śmierć Frajerom Gallery (Nikodem Baiser, Dominik Jałowiński, Jakub Gliński), Penny Matters (Maja Demska, Alicja Wysocka), How to Forget (Karolina Jarzębak, Tomek Nowak and invited artist: Arek Dec), JEST (Agata Lankamer, Iza Opiełka, Magdalena Kanawka, Krzysztof Latarowski, Piotr Bzdęga), Kalektar.org (Sergey Shabohin), Latarnia Górska (Konr ad Brynda, Piotr Bujas, Paweł Krzaczkowski, Katarzyna Szumska), Kasper Lecnim and Irmina Rusicka, Łęctwo (Przemek Sowiński and invited artists: Grzegorz Bożek, Agnieszka Grodzińska, Paweł Marcinek, Przemysław Piniak, Zuza Piekoszewska, Paweł Szostak), Paweł Matyszewski, Obrońców Stalingradu 17 (Defenders and invited artists: Rafał Pietrusewicz / Rufus, Iga Świeściak, Grażyna Monika Olszewska), ODIO (Aleksandra Ozimek), Post Brothers, Potencja (Karolina Jabłońska, Tomasz Kręcicki, Cyril Polaczek), Studio of Portrait (Katarzyna Stańczak, Maciej Łuczak and invited artist: Jakob Forster), Marek Rachwalik, Iza Tarasewicz, Żurnal Zin (Emilia Bocianowska, Nico Carmandaye, Anna Maria Koronkiewicz)
   
Works:
Installation Smuggling of Biomaterials (Car Door)
in collaboration with Paweł Matyszewski;
Information wallpapers Kalektar.org
  
Sergey Shabohin and Paweł Matyszewski:
Smuggling of Biomaterials
(Car Door / BMW E6-43R-00048)
,
2019


Explication:
The concept of the exhibition refers to the period of “curatorial pilgrimages” from the eighties of the twentieth century, undertaken by researchers and curators of art during the institutional boycott. Just like at that time, also today their aim is to recognize new important phenomena and trends in current national art which haven’t been falsified by institutional or ideological mediation. The exhibition will be created at the intersection of studies and queries carried out by the BWA Wrocław curatorial team as a combination of a documentary road movie and artifacts acquired during the query.
Sergey Shabohin:
information wallpapers
Kalektar.org,
2019



   
Solo installation / congress:
ID: E19.20


Title:

Congress-Performance
of Cultural Workers




Date:
November 23, 2019

Place:
Lo-Fi Social Club, Minsk, Belarus

Participants:
Almira Ousmanova, Jonatan Habib Engqvist, Aleksei Borisionok, Mona Wallstrom, Sofia de la Fuentes, Gleb Otchyk, Stsiapan Stureika, Tania Arcimovich, Uladzimir Hramovich, Alena Aharelysheva, Volha Maslouskaya, Aliaxey Talstou, Linda Tedsdotter, Lizaveta Mikhalchuk, Mikhail Gulin, Olia Maslovskaya, Sergey Shabohin, Darya Amelkovich, Paval Kasciukievich, Aksana Haiko, Iryna Lukashenka.
Artistic intervention
into the space:
Sergey Shabohin 
Work:
Total installation Greenhause Conditions





Sergey Shabohin:
installation
Greenhause Conditions,
Lo-Fi Social Club,
Minsk, Belarus
2019



Explication:
November 23, 2019 in Minsk the project STATUS: The role of Artists in Changing Society (Belarus and Sweden) will host the Congress-performance of cultural workers.

During the one-day event, there will be discussions and conversations, workshops, and performances, as well as presentations of artworks that deal with working conditions and legal status of artists in Belarus and Sweden. These works discuss issues such as the defence of rights, equality, gender and age in the context of the art world. The Congress invites professionals from the fields of arts and culture, as well as other interested audience members.

The purpose of the Congress is to discuss and draw attention to the legal status of artists in Belarusian and Swedish society, in order to make state bodies aware of the necessary changes that should be made to the legal and financial aspects of artistic labor.

STATUS is a collective research project that has been created by the joint coordination of Swedish and Belarusian partners: Konstepidemin in Gothenburg and KX Space gallery in Brest. The aim of the project is to bring together artists and cultural workers with a common goal to analyze the conditions of artistic practice and give visibility to the people who conduct it in today’s world. The publication Artistic Practice and Social Change. Observations from Belarus and Sweden contains texts, artworks, and documentation of the STATUS project and will be presented at the event.

Sergey Shabohin:
Greenhause Conditions,
2019


Sergey Shabohin:
installation
Greenhause Conditions
,
Lo-Fi Social Club,
Minsk, Belarus
2019
Programm:
10:00 The opening of the Congress and the presentation of the publication Artistic Practice and Social Change

Observations from Belarus and Sweden. with the project’s Leaders and Ambassador of Sweden to Belarus, Christina Johannesson.


10:15–12:00 Post Work. A panel Discussion on Art and Labor.

Participants: Almira Ousmanova (Belarus/Lithuania), Jonatan Habib Engqvist (Sweden).
Moderated by Aleksei Borisionok.


In 2012, the seminal book WORK WORK WORK. A Reader on Art and Labour was published by IASPIS, The International Artists Studio Program in Stockholm. In his essay from this publication, theorist and curator Lars Bang Larsen registers the paradoxical relations of art and work. On the one hand, art has now more than ever been integrated into the socioeconomic sphere and therefore could be recognized as work. On the other hand, artistic practices break the normal working rhythm, “a refusal to take part in the production and reproduction of that what exists,” in Bang Larsen’s words. What does the term cultural work mean today? How does it fit into the market-driven economy and labor system, resulting capitalist exploitation, and bureaucratic mechanisms of control? How do cultural workers address these issues, and what are the ways of organizing? What are the differences between Northern and Eastern Europe?

A Twenty-five minute statement from a philosopher, Almira Ousmanova, and a curator, Jonatan Habib Engqvist, will be followed by a moderated discussion and questions from the audience.



12:00–14:00 Legal Status of Artists. What is the future? Panel Discussion.

Participants: Tania Arcimovich, Uladzimir Hramovich, Linda Tedsdotter.
Moderated by Aliaxey Talstou.


A widely known stereotype artist being hungry, yet inspired manifests itself in the Belarusian reality through the uncertainty of their legal status, among other things. The same applies to critics, curators, art managers, and other cultural workers. Being in rather precarious conditions, working from exhibition to exhibition, hoping for a sale or a minimal fee, agreeing to project work, taking part-time work, and at the same time trying to build a career, people from this area of the world are rarely confident in their future. But how to determine one’s current status? What professional role does one take in the labor market Is one a private individual, an entrepreneur, or a staff member? Or do artists officially register as craftspersons? Is artistic professional affiliation confirmed by a certificate issued from the Ministry of Culture? Are artists employed on another “official” work contract? Or maybe they are considered as “parasites” by the state? There are many questions. During the discussion, we will try to cover some of them.


14:15 A Social Role.

Performance by Mikhail Gulin.



15:00–16:30 Artistic Unions: Cases from Belarus and Sweden. Panel Discussion.

Participants: Sofia de la Fuentes, board member of the Swedish Artists' Association and board member of the International Artists' Association IAA Sweden and Gleb Otchyk, First Deputy Chairman of the Belarusian Union of Artists.
Moderated by Mona Wallstrom.


We invite the representatives from artistic unions of Sweden and Belarus to speak about the urgent issues of its members, views towards cultural politics of their governments, problems, and concerns regarding the legal status of artists and how a membership in the organization can help artists to fight for their rights. How do artistic unions from Belarus and Sweden react to the new forms of creativity, new forms of employment, and precarity?


16:30 – 18:00 Art, Gender, and Age: Support Structures and Invisible Work. Artist talk.

Moderated by Alena Aharelysheva.

The talk will be dedicated to the position of the artist-mother in the field of artistic production, economy, and precarious labor. Besides this, the talk will also address questions related to age and ageing and discuss the importance of social welfare in artists’ lives.


18:30 – 20:00 Collective Reading Session and Discussion of the Codex of Culture.
Readers: Darya Amelkovich, Paval Kasciukievich, Aksana Haiko, Iryna Lukashenka. 
Moderated by Alina Dzeravianka.

Collective reading session and discussion of the Codex of Culture will be based on the short presentations, readings and analysis of selected abstracts from the Codex of Culture—one main legal document that has not been discussed in detail.


20:30 Performance by Olia Maslouskaya.

21:00-23.00 Music and drinks.

dj all you can eat
dj Gray Mand()rla




Organizers:
Organizers of the project: Konstepidemin (Sweden), KX Space gallery (Brest).

Project partners: The Swedish Institute, Swedish Union of Artists.

Idea and realization: Aleksei Borisionok, Tania Arcimovich, Inha Lindarenka, Alina Dzeravianka, Mona Wallström, Denis Romanovski.

Artwork for the poster: Masha Svyatagor.

Poster design: Maria Kirilchik.





   
Group exhibition:
ID: E19.19


Title:

New Works
in the Arsenal Gallery
Collection II

(Kolekcja II)




Date:
November 14 — 17, 2019 

Place:
Arsenal Gallery Power station, Bialystok, Poland

Curator:
Monika Szewczyk

Artists:
Mirosław Bałka, Anna Baumgart, Karolina Bielawska, Pravdoliub Ivanov, Kobas Laksa, Mykola Ridnyi, Sergey Shabohin, Irmina Staś
Work:





Sergey Shabohin:
18 canvases Practices of
Subordination
,

2016


Explication [in Polish]:
Na wystawie pokażemy następujące prace:

Prace kupione:

1. Anna Baumgart: Zdobywcy słońca, 2011, wideo, 28 min

"Zdobywcy słońca" to projekt filmowy Anny Baumgart, do udziału w którym zaprosiła historyka awangardy i krytyka sztuki, prof. Andrzeja Turowskiego. Wspólnie odtwarzają drogę pociągu agitacyjnego, który w 1920 roku przez Polskę miał dotrzeć do Berlina, by wspomóc Niemiecką Partię Komunistyczną i zawieźć na Zachód idee rewolucyjne. Ostatecznie jednak zakończył swój bieg w Koluszkach koło Łodzi. Praca fantastycznie wpisuje się w wątki obecne w Kolekcji II, szczególnie w grupy prac odnoszące się do dorobku awangardy.
 
2. Sergey Shabohin: Praktyki podporządkowania, 2016, 18 obrazów, płótno, akryl, 18x24 cm każdy

„Praktyki podporządkowania” Sergeya Shabohina metodycznie i skrupulatnie badają mechanizmy władzy. Od 2010 r. artysta zbiera i dokumentuje opowieści o codziennych zdarzeniach na Białorusi, opisujące zamierzoną i bezwzględną ingerencję państwa w życie obywateli. W kręgu swoich znajomych oraz w przestrzeni publicznej stołecznego Mińska Shabohin znajduje banalne, bezpretensjonalne obiekty i obrazy, które przypominają o tym, co się stało, lub odsyłają do reżimu ideologicznego. Zebrany materiał – teksty, obrazy, zdjęcia, obiekty – Shabohin organizuje jako archiwum. Zbiór „Praktyk podporządkowania” jest zbudowany i uporządkowany według pochodzenia obiektów i słów kluczowych. Nie tracąc z oczu Białorusi i opierając się na lokalnych faktach, Shabohin rozpatruje w swoim projekcie naturę władzy w ogóle. Odtwarza linię ludzkiego życia – od narodzin i wzrostu do schyłku – i pokazuje, jak umiejętnie wnika w nie nacisk z zewnątrz, tworząc lęki i traumy. Pierwsza szczepionka, pierwsze starcie z siłami bezpieczeństwa i uświadomienie sobie wpływu propagandy – retrospektywnie podobne momenty okazują się kluczowe. Artysta rejestruje zarówno znaczące wydarzenia z życia abstrakcyjnego człowieka, jak i własne przeżycia. W jego archiwum zachowana jest notatka ojca, w której ten bezradnie przyznaje się do strachu o syna. Shabohin pokazuje, jak sam niezręcznie próbował imitować praktyki władzy, podsłuchując rozmowy sąsiadów przez szklankę przyłożoną do ściany. „Praktyki podporządkowania” Shabohina stały się autorską kolekcją rozlicznych patologii systemu autorytarnego w jednym kraju oraz totalnym archiwum ich przejawów.

3. Mykola Ridnyi: Blind Spot, 2014 – 2015, spray akrylowy na wydruku, 20 prac 42 x 59,4 cm; rysunek na papierze, 4 prace 21 x 29,7 cm, edycja 3 (+2 AP)

Tytuł pracy Mykoly Ridnego „Blind Spot” pochodzi z okulistyki. Plamka ślepa to mały obszar na siatkówce, gdzie powstaje obraz. Aby go uzupełnić, polegamy na własnej wiedzy i pamięci, nie biorąc pod uwagę, że stale budujemy rzeczywistość. W czasie choroby plamka ślepa może być postrzegana przez osobę na różne sposoby - od małego punktu do całkowitej ciemności, która "wypełnia" oko. Ridnyi używa tej koncepcji jako metafory dla naszego społeczeństwa w stanie wojny medialnej. W oparciu o zdjęcia z doniesień medialnych o wojnie na wschodniej Ukrainie, artysta kompletnie niszczy je atramentem. Ta praca jest krytycznym stwierdzeniem na temat mechaniki podążającej za rzeczywistością zaprojektowaną przez media i na temat społecznej ślepoty narzuconej przez propagandę wojny, która tworzy polaryzuje wizję rzeczywistości, dzieląc społeczeństwo na "nas" i "ich".
 
4. Pravdoliub Ivanov: Półprawda, 1999-2017, instalacja, dwie części: wewnątrz: akryl na kartonie, lakier, 21 x 350 cm; zewnątrz: folia samoprzylepna, 42 x 650 cm; edycja 2 + 1AP

Dzieło „Półprawda” Pravdoliuba Ivanova, zwraca uwagę na relatywizm pamięci historycznej. Genezą tej pracy jest przeświadczenie, że prawd jest tyle, ile jej kontekstów. Zawsze gdy pojawia się na wystawie, hasło napisane jest w języku obowiązującym w danym kraju, co uwypukla jej lokalne odniesienia. W swojej twórczości Pravdoliub Ivanov wykorzystuje przedmioty gotowe i znane, przekształcając je w paradoksalne układy albo nielogiczne sytuacje, wyrzucając poza nawias ich naturalną funkcję. Jego sztuka rozpina się między przedmiotem, jego funkcją, nazwą i społecznym kontekstem, badając granice wizualnej reprezentacji, związek języka z obrazem, kwestionując automatyzm poznawczy. Prace artysty, choć osadzone w konceptualnej tradycji sztuki, są najczęściej wyrafinowanymi i wypracowanymi formalnie realizacjami przestrzennymi. Jego sztuka ma charakter krytyczny, często z przymrużeniem oka, w miejsce prawdy, Pravdoliub Ivanov proponuje „półprawdę”.
 
5. Karolina Bielawska: Kompleks, seria trzech obrazów, 2017, płyta OSB, grunt z piaskiem kwarcowym, szpachla, farba krzemianowa, 165 x 265 cm

Karolina Bielawska często tworzy malarskie prace site-specific, buduje własną narrację, odnosząc się jednocześnie do samej istoty malarstwa. Pobyt artystki w Galerii Arsenał w Białymstoku w 2017 roku zbiegł się z pracami konserwatorskim w Auli Wielkiej Pałacu Branickich. Ta sytuacja stała się punktem wyjścia dla Bielawskiej. Stworzyła ona instalację malarską zatytułowaną Kompleks, na którą składają się trzy obrazy namalowane dokładnie takimi samymi kolorami i typem farb (krzemianowe), jakich użyto w czasie prac restauracyjnych w Auli. Tytułowy Kompleks odwołuje się do przestrzeni Pałacu Branickich: jego wystroju i architektury, a także do całego zespołu parkowo-pałacowego. Z drugiej strony nawiązuje do losów Pałacu i punktów zwrotnych w jego historii. Bielawska zwraca uwagę na problem niszczenia dóbr kultury i sytuacji architektury pałacowej po zmianach politycznych i społecznych w XX wieku. I w końcu realizacja artystki jest przede wszystkim pracą czysto malarską, mierzącą się ze strukturą malarstwa, a więc organizacją wszystkich elementów składających się na tę dyscyplinę sztuki wizualnej – począwszy od strony materialnej, technicznej, poprzez znaczenie i treść obrazu aż do samej idei obrazowania myśli, emocji.

6. Irmina Staś: Organizm 114 (z cyklu Przekroje), 2018, olej na płótnie, 160 x 230 cm

Cykl „Przekroje” to połowy podzielonej całości. To one, indywidualne i zmultiplikowane, przedstawione za pomocą malarskich narzędzi stały się tematem najnowszych prac olejnych i akwarelowych Irminy Staś. Symetryczno-osiowe korpusy niekoniecznie ukazane są zgodnie z zasadami stereometrii, ale raczej w umownej perspektywie. Podzielone zewnętrza i wnętrza przenikają się wzajemnie tworząc harmonijne kompozycje. Ich kolory nawiązują do świata organicznego. „Przekroje” są kontynuacją wcześniejszego, długofalowego cyklu „Organizmy” Irminy Staś, jednak imaginacyjne reprezentacje wyabstrahowanych tworów uległy tu większemu uproszczeniu. Obłe kształty ciał stały się bardziej pierwotne, bliższe cząstce elementarnej czy komórce, niż rozwiniętej formie organizmu – w domyśle rośliny zwierzęcia czy człowieka. Przekroje są dosłowne, ale ich forma jest umowna. Została wypracowana w naturalny dla artystki sposób – od realistycznego malowania natury, przez odtwarzanie jej z pamięci – do abstrakcyjnej formy. Konfiguracje i wzajemne relacje ciał nie są jednoznaczne. Niektóre sprawiają wrażenie podziału trwałego i bezpowrotnego, inne wydają się być w tymczasowym rozstaniu, by za chwilę powrócić do formy integralnej całości. Samo rozdzielenie, rozłączenie czy rozstanie jest sytuacją drastyczną, lecz niekoniecznie ostateczną. Przekroje są w nieustannym ruchu. Niektóre połowy ciał są zasklepione, podczas gdy inne noszą jeszcze ślady niedawnego podziału. Przyciągają się wzajemnie i odpychają. Całości dzielą się na połowy, po to by łączyć się z innymi połowami. Zwielokrotnienie przekrojów symbolizuje zbiorowość i nieustanną przemianę.

7. Kobas Laksa: Matka konkretna i wielofunkcyjne obiekty Ojca, 2018, wydruk cyfrowy, 5 sztuk, 30x40 cm, w ramie sosnowej 40x50 cm
          
W pracy „Matka konkretna i wielofunkcyjne obiekty Ojca” artysta wraca do wątku osobistego – rodzinnego domu, w którym roi się dosłownie od urządzeń elektrycznych: trzy telewizory, kilka radioodbiorników, maszyna do szycia, wideo, niezliczona liczba lamp i lampeczek, podświetlenie ołtarzyka z matką boską, elektryczna zapalarka do gazu. Wszystko to tworzy sieć połączeń, wewnątrz których tkwi matka artysty po śmierci ojca i podtrzymuje te urządzenia przy życiu. Wiele z tych przedmiotów to urządzenia ojca, które po śmierci są echem jego obecności. Wiele z nich ma unikalny charakter: kupione na bazarach w czasach handlu przygranicznego, poklejone starą taśmą, niektóre rozpadające się, wyblakłe. Każdy z tych przedmiotów został sfotografowany w studiu fotograficznym i pokazany jako seria fotogramów tworząc obraz rodzinnej pamięci zaklętej w martwych przedmiotach, ale wciąż możliwych do uruchomienia po podłączeniu do prądu.

  
Prace podarowane:

Mirosław Bałka: 182 x 206 x 16 / Bab al-Dhahabi, 2017, obiekt, stal

Inspiracją dla Mirosława Bałki stała się Złota Brama w Jerozolimie, mieście multikulturalnym i wieloreligijnym, które od wieków należy zarówno do muzułmanów, żydów, jak i chrześcijan. Jest to jedyna brama prowadząca na Wzgórze Świątynne. Według tradycji żydowskiej przez Złotą Bramę wjedzie do Jerozolimy Mesjasz. Dla chrześcijan to miejsce wjazdu Chrystusa do miasta przed męką, celebrowanego podczas Niedzieli Palmowej oraz spotkania rodziców Maryi, Joachima i Anny. Brama ma wiele nazw, w języku arabskim brzmi ona Bab al-Dhahabi (Brama Żalu – przyp. red.), a w języku hebrajskim Shaar Ha-Rahamim (Brama Miłosierdzia – przyp. red.). W pracy Bałki brama pochodząca z pracowni artysty, nawiązuje nie tylko do Złotej Bramy, ale także do religijnej podwójności Jerozolimy oraz do pojęć Wschodu i Zachodu. W lubelskiej odsłonie wystawy stanie prawa część bramy, o żydowskiej nazwie, zaś w Białymstoku lewa część, o arabskiej nazwie, tak aby brama otwierała się na Wschód, który w chrześcijańskiej symbolice oznacza zmartwychwstanie. W ten sposób skrzydła będą za sobą „tęsknić”, symbolizując niemożność istnienia części żydowskiej bez arabskiej i odwrotnie, według słów artysty „podejmując temat otwarcia na spotkanie z Nieobecnym”. Niestety historia ciągle dopisuje tragiczne wydarzenia do wspólnych losów obu religii, tak jak miało to miejsce w lipcu 2017 roku, gdy w Jerozolimie doszło do strzelaniny między palestyńskimi bojownikami i izraelskimi policjantami, co doprowadziło do tymczasowego ograniczenia dostępu do meczetu Al-Aksa, najważniejszej muzułmańskiej świątyni w Jerozolimie. Jest to odbierane jako bezprawna judaizacja miasta przez Izrael. Czy dwie zwaśnione strony kiedykolwiek osiągną porozumienie i pokój?" [z tekstu do katalogu wystawy "Uwaga! Granica"]

Dzieła zostały zakupione w ramach projektu „Rozbudowa Kolekcji II Galerii Arsenał w 2019 roku”, którego łączna wartość wynosiła 212.000 zł w tym:
- środki Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego: 135.000 zł
- środki budżetu Miasta Białegostoku: 77.000 zł




   
 Group exhibition:
ID: E19.18


Title:

The City of Tomorrow




Date:
September 30 — October 25, 2019

Place:
Art Belarus Gallery, ZAL #2, Minsk, Belarus

Curators:
Ruben Arevshatyan, Anna Kats, Georg Schöllhammer

Curator of the Belarusian part of the exhibition: Dmitry Zadorin

With the participation of artists:
Marina Naprushkina, Sergey Shabohin





Sergey Shabohin:
series Social Marble
in the Center of Europe
,
Art Belarus Gallery, ZAL #2,
Minsk, Belarus,
2019


Explication:
The Soviet cities and their architecture were designed as a model for a new society. They were supposed to convey a sense of social unity throughout the USSR. The traveling exhibition The City of Tomorrow explores the architectural implementation of alternative social concepts, which have emancipatory, but also oppressive and colonial elements. The focus lies on the development of modernist Soviet architecture and its current heritage — with all its representatives, local dialects and unknown masterpieces.

The opening will be followed by a panel discussion with the curatorial team around Anna Kats, Ruben Arevshatyan, Georg Schöllhammer and Dimitry Zadorin. They discuss the theses of the exhibition by using the city of Minsk as an example.

Organizer:
Goethe Institute

Link: